不为众人所知的画画经验–《转载》

1.多画三分之二侧和四分之三侧最易出体积和空间。正侧和正正的体积.空间不是很好处理(先画好半侧面，加强自己的画画的信心与对结构的理解，这一点至关重要，好多人都是因为老画不好，又天天盯着正面狂画，大有画不好不下梁山之势，后来，还没有训练好，美术联考就到来了，这种一根经不是我们要的，我们面对的是考试，如何在有效的时间内，整出最佳的结果才是我们的目标)
2.画顶光比画自然光易造体积
3.五官和颧骨着重，年青人重五官.肌肉，老年人重颧骨.结构。
4.五官中把鼻子挺起来是关键，方法，有投影，重鼻底明暗交界先和反光，加个鼻孔（不是一团漆黑，留点反光）
5.眼皮不管男女都画双眼皮，眼皮一定要小作一点厚度，在眼珠上加一点投影眼珠也有体积了，一举两得。
6.头发上亮下暗，中间加上用橡皮提一圈亮色再加几根线条表示一根根头发就好了，加一点耳朵周围的头发最黑。头发是长头皮上的，头皮沿头骨长的，抓形先透视画个光头再加头发不迟
7.头颈肩关系要对，这很重要，记得把衣领一起画一点调子。画时选稍带一点仰视地角度画。
8.历年来高分卷构图有一特点：纸（高考8K用纸）顶以下2到3厘米，头部下限在纸一半以下多一点点2到4厘米。造型构图宁方勿圆，外加比例一准像个人就万事搞定。

看看达芬奇的作品，你会有什么样的感觉？对，一定要向艺术家学习，他们的作品会是一个标杆。

再看看大家怎么说：

A：我觉得一个学画的人，要知道透视，塑造的理论，并要结合到具体的应用当中去。一般按我国传统的说法,人的面部的宽度为五眼(五个眼睛宽),高度为三停(一停为眉毛到发际线,二停为眉毛到鼻子底线,三停为鼻子底线到下巴).这个尺度也是因人而定,不是很精确的.用时髦的说法是”模糊概念”.

你理解了人的面部的结构理论后，就要结合到具体的写生当中去。你才能在人物形象塑造时把握住对形的理解，才会画准人物的形。人物脸上的五官在头部都有透视关系，你平时还要多注意观察，多看看艺用解剖书，加深理解，多画写生，对形的把握会逐步提高的！

B：头像蛮简单啊，我当时集训的时候老是写生和默写不好（临摹还可以）于是我就抱着一本头像书，狂临摹了50多张，就OK了，美术联考素描头像91.5分，主要还是要会画啊

 看看考上三大校的学生怎么说：

1：多画辅助线，不要单个物体画老长时间，要整体的去画，物体与物体之间多比较多联系。

2：就是不要死扣细节的，注意从整体着手。

3：要画好素描首先起稿一定要标准，再就是明暗一定要分清，尤其是暗部一定要暗下去，却不要是一片黑，上调子要轻轻的一遍一遍的上。

4：是型的的话，你要找对比线。用直线打型，外轮廓准了就找对比线找准眼鼻口，耳朵的位置，还要画出每个块面的位置。调子的话就是黑白灰，没有别的，虚着眼睛去看容易找准。

关于画素描，书本上这样说：

素描就是要多练  多画  好好练练速写  先把形打准。

素描的重要性谁都知道，因此，人们都相当重视素描的学习和教学。素描学习是艺术成长的必由之路。素描能力实质上就是造型能力的同义词。

素描学习的初始阶段往往比较艰难，难就难在素描艺术的许多概念、规范、方法等等都要在这一阶段溉输到头脑当中，几乎是要给这个人重新树立一个全新的看待周围世界的标准，这是个“洗脑”和“洗眼”的过程。

同时，伴随着艰苦的大量的基础性的练习作业，小到如何削铅笔、用什么样的橡皮、选择什么样的纸张，大到整体、体面关系指标性的规范训练。要求处处、事事要从头来，从一点一滴做起、做好。

刚刚学画就能做到比较规范的人非常少，能画出效果的就更少，即便是能搞出点小效果的很多又不符合要求，因此基础打的牢正比效果更为重要。一般看来，能大概画准形，明暗关系看的过去，这就算是会画素描了。事实上也是这样，许多绘画大师做到的也不过如此，就技术含量来说就是这么点东西，做为大师他还要靠其它力量的支撑，而这些因素是不好量化标定的。

然而，从素描学习的角度来讲这也只是进入了初知初熟的时期，就是说水平还不高，试做一名考生的话也就只配考个一般的院校而以。基本的概念知晓、基本的方法掌握后便能画出些一般的效果了。保持和增强其能力还需做大量的工作。首先，要进一步努力使作业数量不减，在没有达到高水平的能力之前，始终有一股想画的欲望是极其重要的，这也就是我们常说的动力，无论这种动力来自何方（本能的欲望、外界压力、虚荣心的驱使、为达到某一具体而现实之目的等）都是绝对必要的。其二，面对技术层面的问题特多：如何将比例关系搞的更谐调，如何塑造的更为坚实有力，如何使黑白灰关系更为秩序、光影效果更为生动、结构更加结实等等，诸多因素、诸多能力、诸多方法。

需要反复认识，反复训练，一张张的画，一点点的磨。唯此，才能真正获得一个不错的造型基础。第三点，要注意点学习方法，主要是要有些针对性才好。素描包含着许多内容、要点、方法，有些东西是必须要掌握的，有些又是需要深刻理解的，同样有些东西则只要知道或做一般掌握和了解即可。这样就是必得出一个规律，即要有重点有针对性地把握各种关系。

在学习过程中还会出现这样的问题，就是一个很难掌控的要领你可能轻易就通过了，而一个最简单的小环节你却没什么感觉，这就特别注意要有重点的解决对于个人来讲最重要的难题。还需注意的一点，那就是技术要全面。这个问题是个承上启下的东西，为什么这么说呢，原因是，一般的素描如果画面内部因素过少在正常观点来看它就不是一幅好的作品（作业），而一幅杰出的素描作品则需要有特异与精纯的画面语性，多呈现为纯一的手段。那么在不占有多的前提下，是较难实现提纯以至达个性表现的。

为了实规高质表达，必做多量研磨以求高度概括。素描，无论它是作业还是作品它都不能流于一般化。不一般的素描作业–难以达到的有感觉难度。不一般的素描作品–耐人寻味的难度与简单。素描作业的过程就是个难度的过程，没有难度的要求是不足以成立的。在处理各种不同或类同关系的要求与指标时都要做到精工细制一丝不苟，竭尽全力之致。寻觅各种可能求得完善的效果。

在正常认定的所谓的惑觉范畴内有弹性的刻划。

素描作品的一致特征就是绝不泛泛的运力。要相当清楚你能什么而别人不能，要完全知晓自身的锋刃所指。

学习真人头像的过程是怎样的你自己心里清楚吗？
  要想画好真人头像大量的书本头像的临摹是很关键了，然后就是照片半写生的巩固练习，最后才是真人的写生的训练！这个你心里一定要时刻的提醒自己，每个环节，自己要画到怎样的效果，也要明确！
■至于画真人时会不会用画照片时候一样的效果，这个是要看个人的应用能力了哦！EG:画照片的时候可以画出80-90%的感觉或者说是效果，到画真人的时候，感觉自己可以画出照片中70-80%的感觉，那么实际的运用中，由于对画笔质感的运用，橡皮，可塑橡皮，擦笔，不同质感的画纸的混合把握能力的掌握，也许真人写生的时候表现出来的就是60-70%的效果。这个就是为什么，有的同学可以画出自己在照片半写生时候的感觉，同时在真人写生的时候同样可以把握住这样的感觉，有的同学却只能写生表现出一半，这个都是大量练习+巩固+运用+练习比较修改=和书本上一样的效果的秘密哦！这个是我美术高考之后的经验，同时也是我在教我学生时候和他们聊天的时候谈的话题哦！
■好好练习！目标就一个，不管画什么形式的练习，标准就一个，和书本上的效果一样？什么一样？————黑白灰关系的把握！比例的准确性！
 ——————–祝你美术学习更上一层楼！　　
　　我们面对的形体，本来是没有“线条”和“点”的，就是我们所感觉到“面”的存在，也是在起伏的千变万化中附着在结构与形体上的。
　　正对着我们的“面”，侧过去就成为了一道压缩的线条，纵深过去，线条就是成为一个点。这些素描的构成元素，使得我们捕捉对象形体有了得力的手段。但是，在写生过程中，我们又非常容易过于潇洒的使用线条，而导致流畅的浮躁。在找准形体结构的耐心与枯燥的练习中，我们很难逃避划线的乏味；同时也很难抵挡挥洒的诱惑。
　　可以说，在素描中我们所划出的任何线条都应该具备形体结构的属性，才具有真正意义。不然，就成为了一根或一组废线；而由这些线条所组成的面当然也成了无意义的脏灰色。可能在写生中也会感到一些灰色的“面”，由于我们的感觉其实还处在错觉时，就误以为是一块“面”而画出来，结果仍然是脏灰色而非形体的一部分。
　　如何避免这种错误的产生，就需要我们始终以对象的结构为中心，不能被动地照抄对象，而要主动、主观的分析与判断对象给我们提供的绘画元素，透过整体的结构去完整的驾驭被画形体。
　　我们使用的无论是“点”、“线条”还是“面”，都是一种手段，它们本身没有任何的意义，把它们用在我们所刻划的形体上，就成为了人体结构的元素，最终成为所画人体的一部分，而不再是什么点线面了。
　　中国人物画用线条对衣褶的描画方法，总结归纳出游丝描、琴弦描、铁线描、竹叶描等“十八描”法。西方绘画空间的运用，使得线条的运用融入了面的成分，变得更加丰富多彩。在对形体与结构的观察中，相信每个人的感悟都是不同的。如何运用点线面的融合，将你对形体的理解刻划出来，将是你创造的一个过程。在此之前，不妨也可采用中国传统的训练方法——临摹的学习，来体验一下前辈大师的用笔，再融入自己的体验，相信你的写生将更加的有趣。
　　
　　素描——结构是真
　　
　　在素描绘画当中，最关键的当然是结构。
　　现实中很多画家，由于对人物或物体结构缺乏了解，最后只能走形式的路子，在创作中很难拿出具有深度的力作。虽然我们已经有了方便的照相机（现在都使用数码相机）和扫描仪，可以在电脑中处理图形，能够省却很多造型的麻烦，但是，形是形，结构是结构，并不是一个概念。对绘画的过程而言，形是附着在结构之上的表象，而结构才是对象的支撑；外在形的轮廓无法真正表现对象的内在美。
　　我们所观察到的对象的外形，那是一种表象，一种轮廓。当对象一旦变换位置，而我们又缺乏对结构的了解，就很难着手。在初学阶段，几乎每个人都经历了利用稳定的三角形来确定形体的大体位置和构图，然后再用小的虚拟的三角形、方形等分解被画对象局部的位置，这样的方法最后只能是比葫芦画瓢，照相般描绘对象。
　　就像我们已经走过了充饥的年代一样，我们已经走过了缺图的年代，正跨入一个读图的时代。各种图形、图像、图库层出不穷，再用照相的方法——抄照片去再现对象，倒不如干脆去搞摄影算了，那我们还不如照相机来得客观。对画家来说，最难以接受的便是被人夸奖为：看画得多好，像照片一样。也就是说，那些个作品没有强烈、强调和更深层次的东西，缺少画家对形体结构的理解和对对象的内涵表现的创意，这又怎么能算得上绘画的艺术作品呢？
　　艺术的真实，并不是纯客观的真实，而是画家通过自己的感官和手，表现画家内心的感受的一种艺术的真实——去粗取精、去伪存真、由此及彼、由表及里的刻画与刻划。
　　
　　素描静物的学习方法
　　素描静物写生是石膏几何形体写生的延伸和发展，它描绘的范围很广，瓜果、蔬菜、花卉 、瓶罐、文具等都可作写生的内容。
　　素描静物写生主要是训练我们的构图能力和造型能力。对初学者来说，一方面通过由简到繁的静物组合写生，掌握构图规律，做到画面对象大小比例安排得当，视点高低适宜；另一方面，也可以自己布置静物作画，从中学习构图的基本知识（如统一和变化；对比和调和；对称和均衡：比例和节奏；静感和动感等等），逐步掌握构图能力，静物的形体结构实际上仍是不同的几何形体的组合，但它比石膏几何形体更不观则、更复杂。这样我们在静物写生中，更应该强调对形体组合关系和结构关系的理解。
　　
　　在静物写生中，各种物体都是由不同质材构成的，硬软、粗细、轻重、厚薄等等的“质” 感是不一样的，质感的表现主要通过对比的手法，当然也有赖于物体色调准确的描绘。
　　在素描静物写生中，物体的透视规律还是应该继续予以重视的，以求不断加深对透视规律的理解。
　　素描静物写生的工具可用铅笔、木炭、炭精条等。
　　素描静物写生的观察方法和作画步骤大致上和素描石膏写生相，只要我们树立整体的观察方法，通过不断的写生实践，就一定能逐步掌握素描静物写生的能力和技巧。 一、写生步骤：
　　科学、严格的方法步骤不仅能够保证作业顺利进行，更可以培养我们的整体观察能力和描绘能力。
　　1．确立构图
　　推敲构图的安排，使画面上物体主次得当，构图均衡而又有变，避免散、乱、空、塞等弊病。
　　2．画出大的形体结构
　　用长直线画出物体的形体结构(物体看不见部分也要轻轻画出），要求物体的形状、比例、结构关系准确。再画出各个明暗层次(高光、亮部、中间色、暗部，投影以及明暗交接线)的形状位置。
　　3．逐步深入塑造
　　通过对形体明暗的描绘(从整体到局部，从大到小)逐步深入塑造对象的体积感。对文要的、关键性的细节要精心刻划。
　　4．调整完成
　　深入刻划时难免忽视整体及局部间相互关系。这时要全面予以调整(主要指形体结构还包括色调、质感、空间、主次等等)，做到有所取舍、突出主体。
　　
素描——描与刻划

对于习惯于使用明暗调子的人来说，总是觉着只有这样画才是扎实的素描。其实，经过后来的习作，我还是感到不过强烈，描的东西太多，而刻的地方太少。
应该说利用素描明暗来刻画对象的体积还是有用的。但是如何从明暗调子中走出来，却不是一件很容易的事情。脑子里的固有观念和习惯的势力，加之悟性提高缓慢，使本来想丢弃的画法还会不时的有所反复。
明暗调子就像钢琴的键盘，越是多越能表现得丰富。我们使用的铅笔还能出产7B、8B的吗？即便是有了9B、10B的，也无法表现出现实模特儿空间的黑，黑与白的对比只是相对的。在舞台美术的布景暗调子处理上，使用纯黑+普兰在灯光的照射下也泛白，就改用黑丝绒，可我们的绘图纸如何表现出这样的黑洞？其实黑与白只是一种感觉。强烈的感受需要我们改变以往的写生的办法，摒弃故有的脑子里的死的概念，用全新的思维，在结构意志的控制下，充分发挥我们自己的感触而凝注在笔端的力度，画出对象感受的神似。
不停地改变自己固有的观念，不断尝试新的绘画方法，千万不能为完成一幅作品小心翼翼的作业，完成作业不能成为我们目的的负担。不然，你将丢弃更多尝试的机会，千篇一律的重复自己的已知而禁锢自己思维的想象空间。
素描讲究“宁方勿圆”，先学画几何体，学会表现“三大面，五调子”。
有了范本和老师指点，就知道如何掌握握笔方法，姿势，了解不同型号（如H、2H、3H、2B、3B等）的铅笔表现丰富的明暗关系。